L'Évolution et l'Art de l'Animation

Contexte

L'animation est l'art de créer l'illusion du mouvement en présentant une séquence d'images fixes en succession rapide. Le terme dérive du latin anima (vie) et animare (donner vie). À travers l'histoire, les cultures ont expérimenté des techniques donnant l'apparence d'images en mouvement. Des peintures rupestres superposant les pattes d'animaux aux bas-reliefs grecs, à l'art funéraire égyptien, aux vitraux médiévaux et aux bandes dessinées modernes, les principes fondamentaux de l'animation sont depuis longtemps évidents.

En 1640, le moine jésuite Athanase Kircher inventa une « lanterne magique » qui projetait des dessins agrandis sur un mur. Son contemporain, Gaspar Schott, étendit ce concept en créant une bande continue d'images — un précurseur du film — qui pouvait être tirée devant l'objectif de la lanterne. Schott perfectionna l'appareil en un disque rotatif. Un siècle plus tard, le scientifique néerlandais Pieter Van Musschenbroek projeta des dessins séquentiels d'ailes de moulin à vent en 1736, produisant l'illusion d'un moulin tournant.

La lanterne magique devint rapidement une forme populaire de divertissement. Des artistes itinérants la présentaient dans les villes européennes, tandis que des figures comme le médecin suisse Peter Mark Roget — mieux connu pour le Thesaurus of English Words and Phrases — explorèrent la base scientifique de la persistance de la vision dans son essai « Persistence of Vision with Regard to Moving Objects ». Ce travail influença des inventions subséquentes comme le thaumatrope, développé dans les années 1820 par John Paris. Le thaumatrope — un disque avec des images contrastées de chaque côté — tournait pour mélanger les deux images, créant une animation simple mais efficace.

Joseph Plateau, physicien belge, introduisit le phénakistiscope, un disque plat avec des fentes espacées régulièrement et des figures séquentielles. Lorsqu'il était tourné et vu dans un miroir, les fentes produisaient l'illusion du mouvement. À peu près au même moment, Simon Ritter von Stampfer en Autriche expérimenta avec des stroboscopes, menant éventuellement au zootrope. Le zootrope, inventé par William Henry Homer, est un tambour avec des fentes et une bande de papier avec des dessins à l'intérieur ; faire tourner le tambour anime les images.

En 1845, le baron Franz von Uchatius créa le premier projecteur de film, utilisant des images peintes sur verre. En 1888, George Eastman introduisit le film celluloïd — une bande d'acétate de cellulose photosensible — qui améliora considérablement la durabilité et la qualité de projection. Le premier court-métrage entièrement animé, Humorous Phases of Funny Faces de J. Stuart Blackton, débuta en 1906. Deux ans plus tard, l'animateur français Émile Cohl sortit Fantasmagorie, tandis que Winsor McCay introduisit Gertie the Dinosaur en 1911. Les années 1920 virent l'essor de dessinateurs notables comme George McManus (Maggie and Jiggs) et Max Fleischer (Betty Boop, Popeye). En 1923, Walt Disney commença à adapter des histoires pour enfants en courts-métrages animés, menant aux débuts iconiques de Mickey Mouse en 1928 dans Steamboat Willie. Le premier long-métrage de Disney, Blanche-Neige et les Sept Nains, fut présenté en 1937.

Le film de 1968 Yellow Submarine employa la pixilation, photographiant des acteurs réels en stop-motion pour obtenir des mouvements surréalistes. L'adaptation de Lord of the Rings par Ralph Bakshi en 1978 utilisa la rotoscopie — traçage d'images réelles image par image — pour mélanger réalisme et animation. À la fin du 20e siècle, les techniques numériques émergèrent, culminant avec Toy Story de John Lasseter en 1995, le premier long-métrage créé entièrement par animation informatique.

Matières premières

Si l'imagination guide l'animation, des outils pratiques sont essentiels. Les animateurs travaillent généralement sur un support d'animation spécialisé, qui tient une base avec chevilles d'enregistrement, une caméra, des lumières, une surface de travail et un plateau (une feuille de verre ou plexiglas transparent) qui maintient les dessins.

L'animation professionnelle est généralement dessinée sur des feuilles d'acétate transparentes de 5 mm d'épaisseur — cels — mesurant environ 25,4 cm × 30,5 cm. Des trous percés le long du bord supérieur s'alignent avec les chevilles d'enregistrement pour maintenir la surface rigide. Encres opaques, peintures, teintures transparentes, feutres, crayons et crayons litho sont des médias courants.

La photographie des dessins requiert traditionnellement des caméras 35 mm, bien que des modèles Super 8 ou 16 mm soient parfois utilisés. Une gamme d'objectifs — standard, zoom, téléobjectif, grand-angle et fisheye — est employée pour capturer la perspective désirée.

Le processus de fabrication

Produire un court-métrage ou long-métrage d'animation est intensif en main-d'œuvre ; un court typique contient environ 45 000 images. Rendre une seule ligne de dialogue peut exiger 12 dessins pour capturer le mouvement des lèvres avec précision.

L'histoire est écrite

• 1. L'auteur — souvent l'animateur — crée un storyboard : une série de croquis en un panneau sur un tableau, chacun accompagné de notes de dialogue ou d'action. Le storyboard peut être révisé plusieurs fois par collaboration avec le réalisateur et l'équipe.

Le dialogue, la musique et les effets sonores sont enregistrés

• 2. Les acteurs vocaux enregistrent les répliques des personnages, tandis que musiciens et sound designers capturent les sons ambiants (portes claquant, pas). Ces enregistrements sont préservés sur bande magnétique et synchronisés aux temps musicaux, un processus connu sous le nom de Mickey Mousing. Les studios modernes utilisent souvent des bandes sonores optiques, avec lecteurs électroniques synchronisant les images au son.

Les mesures de dialogue sont inscrites sur une feuille d'exposition

• 3. Un lecteur de piste mesure chaque voyelle et consonne, les notant sur des feuilles d'exposition (x-sheets). Chaque feuille représente une seule image, permettant aux animateurs de synchroniser les mouvements de bouche avec le dialogue. Des « slugs » — segments de film silencieux — sont insérés où l'action se produit.

Les fiches modèles des personnages sont créées

• 4. Pour la cohérence, une fiche modèle détaillée est dessinée pour chaque personnage, représentant poses, expressions faciales et proportions.

Les artistes créent la mise en page ou le design de décor

• 5. Les artistes de mise en page produisent des dessins linéaires qui guident les animateurs et informent les peintres de décors.

Les actions des personnages sont esquissées

• 6. En utilisant les fiches modèles, l'animateur principal esquisse les poses clés — connues comme images « extrêmes » — comme le pied se levant dans une course ou les yeux clignant. Les assistants complètent ensuite les images intermédiaires. Les croquis sont dessinés sur un tableau transparent éclairé par en-dessous ; une seconde feuille est superposée et légèrement variée pour indiquer le mouvement.

Les dessins sont nettoyés et vérifiés pour l'exactitude

• 7. Les artistes vérifient les croquis par rapport aux fiches modèles, renforçant les lignes sans altérer le design. Les scènes sont vérifiées pour inclure toutes les actions spécifiées sur la feuille d'exposition.

Un test vidéo est effectué

• 8. Une lecture numérique des esquisses assure un mouvement fluide et des expressions faciales correctes ; des ajustements sont faits si nécessaire.

Les artistes créent les décors

• 9. Les artistes de décor peignent des scènes en couleur — paysages, intérieurs, bâtiments — basées sur les mises en page au crayon. Les couleurs sont appliquées numériquement en sélectionnant les teintes d'une palette.

Les esquisses sont encrées et peintes

• 10. Les dessins sur papier sont transférés sur cels via xérographie ou encrés à la main. Les couleurs sont appliquées au verso de chaque cel, généralement par ordinateur. Chaque cel subit plusieurs contrôles qualité.

L'action est filmée

• 11. Les cels et décors sont photographiés selon les feuilles d'exposition. Les scènes peuvent prendre des heures à capturer. Une caméra multiplan empile les cels sur le décor, éclairant chaque couche pour créer un effet 3D. Les images sont développées en tirages et négatifs.

Le son est mixé

• 12. Le dialogue, la musique et les effets sont ré-enregistrés depuis plusieurs pistes sur une piste unique équilibrée. Une piste secondaire associant dialogue et musique aide à la traduction en langues étrangères.

La piste de mixage et le tirage sont combinés

• 13. La piste audio finale est mariée au tirage visuel, produisant un film « marié ». Pour les sorties TV, le négatif et l'audio sont envoyés à une maison de post-production pour transfert sur vidéo.

L'avenir

L'animation par ordinateur a progressé de manière spectaculaire depuis les années 1990. Bien que certains puristes résistent à ce changement, la persistance de l'animation sur cels est incertaine. Pendant ce temps, l'anime japonais a évolué, offrant des intrigues richement détaillées, des personnages réalistes et des angles de caméra dynamiques qui approfondissent l'immersion du spectateur.