Animation

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Contexte

L'animation est une série de dessins fixes qui, vus en succession rapide, donnent l'impression d'une image en mouvement. Le mot animation dérive des mots latins anima signifiant la vie, et animare sens à insuffler de la vie. Tout au long de l'histoire, les gens ont utilisé diverses techniques pour donner l'impression d'images en mouvement. Les dessins rupestres représentaient des animaux avec leurs jambes se chevauchant de sorte qu'ils semblaient courir. Les propriétés de l'animation peuvent être vues dans les spectacles de marionnettes asiatiques, les bas-reliefs grecs, les peintures funéraires égyptiennes, les vitraux médiévaux et les bandes dessinées modernes.

En 1640, un moine jésuite nommé Althanasius Kircher inventa une « lanterne magique » qui projetait des dessins agrandis sur un mur. Un autre jésuite, Gaspar Schott, a développé cette idée en créant une bande droite d'images, une sorte de bande de film ancienne, qui pouvait être tirée à travers l'objectif de la lanterne. Schott a encore modifié la lanterne jusqu'à ce qu'elle devienne un disque tournant. Un siècle plus tard, en 1736, un scientifique hollandais du nom de Pieter Van Musschenbroek créa une série de dessins d'aubes de moulin à vent qui, lorsqu'elles étaient projetées en succession rapide, donnaient l'illusion du moulin à vent tournant autour et autour.

La lanterne magique est devenue une forme de divertissement populaire. Des artistes ambulants, visitant les villages et les villes d'Europe, l'incluaient dans leurs spectacles. À Londres, le médecin et érudit d'origine suisse Peter Mark Roget, le plus célèbre pour avoir compilé le Thesaurus of English Words and Phrases, était fasciné par le phénomène scientifique en jeu et a écrit un essai intitulé "Persistance de la vision en ce qui concerne les objets en mouvement" qui a été largement lu et utilisé comme base pour les inventions ultérieures. L'un des premiers fut le thaumatrope, développé dans les années 1820 par John Paris, également médecin anglais. Le thaumatrope était simplement un petit disque avec une image différente dessinée de chaque côté. Des ficelles étaient nouées sur deux bords afin que le disque puisse être tourné. Alors que le disque tournoyait, les deux images semblaient se mélanger. Par exemple, un singe d'un côté semblait s'asseoir à l'intérieur de la cage du côté opposé.

L'innovation majeure suivante fut le phénakistoscope, créé par Joseph Plateau, physicien et médecin belge. La contribution de Plateau était un disque plat perforé avec des fentes régulièrement espacées. Des figures ont été dessinées sur les bords, représentant des mouvements successifs. Un bâton fixé à l'arrière permettait de tenir le disque à hauteur des yeux devant un miroir. Le spectateur a ensuite fait tourner le disque et a regardé le reflet des personnages passer à travers les fentes, donnant à nouveau l'illusion du mouvement.

En Autriche, Simon Ritter von Stampfer jouait avec la même idée et a appelé son invention un stroboscope. Un certain nombre d'autres champs d'application ont suivi, aboutissant au zootrope, créé par William Homer. Le zootrope était un cylindre en forme de tambour qui était ouvert au sommet avec des fentes placées à intervalles réguliers. Une bande de papier avec une série de dessins pouvait être insérée à l'intérieur du tambour, de sorte que lorsqu'il tournait, les images semblaient bouger.

En 1845, le baron Franz von Uchatius inventa le premier projecteur de cinéma. Des images peintes sur verre passaient devant la lumière projetée. Quarante-trois ans plus tard, George Eastman introduisit le film celluloïd, une bande d'acétate de cellulose enduite d'une émulsion photosensible qui retenait et projetait mieux les images que celles peintes sur verre. Le premier dessin animé Phases humoristiques de grimaces par J. Stuart Blackton, du New York Evening World, a été diffusé aux États-Unis en 1906. Deux ans plus tard, l'animateur français Emile Cohl a emboîté le pas avec Phantasmagorie. Winsor McCay a présenté Gertie le dinosaure en 1911. Parmi les autres caricaturistes qui ont porté leurs personnages à l'écran, citons George McManus (Maggie et Jiggs) et Max Fleischer (Betty Boop et Popeye). En 1923, Walt Disney, l'animateur le plus célèbre au monde, a commencé à transformer des histoires pour enfants en dessins animés. Mickey Mouse a été introduit dans Steamboat Willie en 1928. Le premier long métrage d'animation de Disney, Blanche-Neige et les Sept Nains, a fait ses débuts en 1937.

Sous-marin jaune, un film d'animation de 1968 mettant en vedette les Beatles, présentait le processus de pixellisation, dans lequel des personnes vivantes sont photographiées en stop-motion pour donner l'illusion de mouvements humainement impossibles. Dans le film Le Seigneur des Anneaux, réalisé en 1978 par Ralph Bakshi en utilisant la rotoscopie, l'action réelle a été filmée en premier. Ensuite, chaque image a été tracée et colorée pour créer une série de cellulos d'animation. À la fin du vingtième siècle, de nombreux acteurs de l'industrie expérimentaient la technologie informatique pour créer des animations. En 1995, John Lassiter a réalisé Toy Story, le premier long métrage entièrement réalisé en animation par ordinateur.

Matières premières

Bien que la matière première la plus importante dans la création d'animation soit l'imagination de l'animateur, un certain nombre de fournitures sont nécessaires pour donner vie à cette imagination. Parfois, ces articles sont achetés; parfois ils sont construits par l'animateur.

L'animateur travaille sur un stand d'animation, une structure qui tient une plinthe sur laquelle les dessins sont fixés par des piquets de registre. Le support d'animation supporte également une caméra, des lumières, une surface de travail et une platine (feuille de verre transparent ou de plexiglas qui maintient les dessins en place).

Les dessins sont exécutés sur cels, papier à dessin ou sur film. La majorité de l'animation professionnelle est dessinée sur des cels, des feuilles d'acétate transparent de cinq millimètres d'épaisseur. Chaque cellulo mesure environ 10 pouces sur 12 pouces (25,4 cm sur 30,5 cm). Des trous sont percés le long du bord supérieur des cellulos, du papier ou du film, correspondant aux chevilles de registre sur le support d'animation et la plinthe. Les chevilles maintiennent la surface de dessin rigide.

Les encres et les peintures opaques et les colorants transparents sont les supports les plus courants pour dessiner l'histoire. Des feutres, des crayons et des crayons lithographiques peuvent également être utilisés.

L'animation professionnelle est photographiée avec des caméras 35 mm. Cependant, il est possible d'utiliser des modèles Super 8 ou 16 mm. Une variété d'objectifs d'appareil photo sont utilisés, y compris les objectifs standard, zoom, téléobjectif, grand angle et fish-eye.

Le processus de fabrication

La création d'un long métrage d'animation court ou long est un processus long et fastidieux. Extrêmement laborieux, le dessin animé court moyen comporte environ 45 000 images distinctes. Pour faire dire à un personnage « Bonjour, Simon » peut nécessiter 12 dessins pour représenter chaque mouvement des lèvres du personnage.

L'histoire est écrite

• 1 Parfois l'animateur est aussi l'écrivain. L'animateur réalise un storyboard, une série d'esquisses à un panneau épinglées sur un tableau. Des résumés de dialogue et/ou d'action sont écrits sous chaque sketch. Les sketchs peuvent être réarrangés plusieurs fois à la suite de discussions entre l'écrivain, l'animateur et le réalisateur.

Les dialogues, la musique et les effets sonores sont enregistrés

• 2 acteurs enregistrent les voix de chaque personnage. La musique de fond et les effets sonores, tels que les portes qui claquent, les bruits de pas et les sons météorologiques, sont enregistrés. Ces enregistrements sont généralement conservés sur bande magnétique. La musique est chronométrée pour les battements et les accents; cette information est enregistrée sur une feuille de mesure afin que l'animation puisse s'adapter autour de la musique. Parce que Walt Disney a été l'un des premiers animateurs à adapter l'action à la musique, ce processus s'appelle "Mickey Mouse." De nombreux studios professionnels utilisent désormais une piste sonore optique sur laquelle les voix, la musique et les effets sonores sont représentés par des lignes variables. Un lecteur et synchroniseur de sons électroniques donne un décompte précis du nombre d'images nécessaires pour chaque son.

Les mesures de dialogue sont saisies sur une feuille d'exposition

• 3 Un technicien appelé lecteur de piste mesure chaque voyelle et consonne dans le dialogue. Les mots sont enregistrés sur des feuilles d'exposition (également appelées feuilles X ou feuilles de dope), dont chacune représente une seule image de film. Cela permet aux animateurs de synchroniser chaque mouvement des lèvres du personnage avec le dialogue. Le métrage, le temps nécessaire entre les lignes de dialogue pour que l'action se déroule, est également tracé sur la feuille d'exposition. Des limaces, ou des sections de film sans son, sont insérées là où l'action se produit.

Des feuilles de personnages modèles sont créées

• 4 Un modèle est créé pour chaque personnage afin de garder leur apparence uniforme tout au long du film. Les modèles peuvent être des descriptions détaillées ou des croquis des personnages dans diverses positions avec diverses expressions faciales.

Les artistes créent la mise en page ou la scénographie

• 5 Un maquettiste crée des dessins linéaires que les animateurs utilisent comme guide d'action et que les artistes d'arrière-plan utilisent pour peindre les arrière-plans.

Les actions des personnages sont esquissées

• 6 À l'aide des feuilles de modèle, l'animateur principal esquisse l'action principale ou « extrême ». Par exemple, si le personnage court, l'animateur principal dessinera le pied quittant le sol, le pied en l'air et le pied revenant au sol. Ou si l'histoire appelle le personnage à cligner des yeux, l'animateur en chef esquissera les yeux en passant par les mouvements. Les assistants d'animation remplissent ensuite les détails.

  Le dessin est réalisé sur une planche à dessin transparente éclairée par le bas. Une fois qu'un dessin est terminé, une deuxième feuille de du papier est posé sur le premier et le deuxième dessin est légèrement varié pour signifier le mouvement.

Les dessins sont nettoyés et leur exactitude vérifiée

• 7 Les artistes vérifient les personnages par rapport aux feuilles modèles. Les dessins sont améliorés mais pas modifiés. Les scènes sont vérifiées pour s'assurer que toutes les actions demandées sur la feuille d'exposition sont incluses. Tous les chiffres sont vérifiés pour un alignement correct avec l'arrière-plan.

Un test vidéo est réalisé

• 8 Une bande vidéo informatisée est faite des croquis pour vérifier la fluidité du mouvement et les expressions faciales appropriées. Des ajustements sont effectués jusqu'à ce que l'effet souhaité soit obtenu.

Les artistes créent des arrière-plans

• 9 artistes créent des peintures d'arrière-plan en couleur, notamment des paysages, des décors, des bâtiments et des intérieurs, à partir des mises en page au crayon. La couleur est remplie par ordinateur. Pendant que l'ordinateur numérise la mise en page, les artistes cliquent sur les couleurs d'un modèle.

Les croquis sont encrés et peints

• 10 Si les dessins d'animation ont été exécutés sur papier, ils sont maintenant transférés sur cellulos à l'aide de la xérographie, un processus similaire à la photocopie. Dans quelques ateliers, l'encrage se fait encore à la main, en traçant les croquis au crayon sur les cellulos.

  Les couleurs sont appliquées au verso du cellulo, généralement par ordinateur, de la même manière que les couleurs d'arrière-plan sont appliquées. Tous les matériaux encrés et peints sont vérifiés plusieurs fois pour leur exactitude.

L'action est filmée

• 11 Les cels et les fonds sont photographiés selon les instructions sur les planches d'exposition. Une scène d'action peut prendre plusieurs heures à photographier. Les cellulos sont posés sur les arrière-plans et photographiés avec une caméra multiplan suspendue au-dessus. Lorsque plusieurs caractères apparaissent dans un cadre, le nombre de cellules empilées au-dessus de l'arrière-plan augmente. Chaque niveau est éclairé et décalé, créant l'illusion d'une action en trois dimensions. Le film est envoyé au laboratoire photo où un tirage et un négatif sont réalisés.

Le son est doublé

• 12 Les dialogues, la musique et les effets sonores sont réenregistrés à partir de 10 pistes distinctes ou plus sur une piste équilibrée. Un autre ensemble de deux pistes, l'une avec dialogues et l'autre avec musique et effets sonores, est souvent réalisé pour faciliter la traduction lorsque le film est envoyé sur les marchés étrangers.

La piste de doublage et l'impression sont combinées

• 13 La piste de doublage finale est combinée avec l'impression pour faire une impression mariée. Si le film d'animation est destiné à la télévision, le négatif et les pistes sont souvent envoyés à une maison de post-production vidéo pour être mis sur bande vidéo.

Le futur

Au cours de la dernière décennie du vingtième siècle, l'animation créée par ordinateur a commencé à faire de grands progrès. Bien que les puristes dénoncent cette évolution, il est peu probable que l'animation par ordinateur disparaisse. Ce qui reste à voir est de savoir si l'animation cel traditionnelle survit ou non.

L'anime, une forme de dessin animé du Japon, change également la nature de l'animation. Les intrigues et les personnages sont plus détaillés et basés sur la réalité. Les angles de caméra variés amènent le spectateur plus loin dans l'action.